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 <title><![CDATA[精英博客]]></title>
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 <description><![CDATA[Latest 20 blogs of 林路的博客]]></description>
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 <lastBuildDate><![CDATA[Tue, 09 Feb 2010 17:08:42 +0000]]></lastBuildDate>
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 <title><![CDATA[精英博客]]></title>
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 <description><![CDATA[精英博客]]></description>
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 <title><![CDATA[《美国摄影》杂志年度照片揭晓]]></title>
 <description><![CDATA[    
尽管2009年可能是世界上最为困难的一年，然而对摄影来说，却依然不乏兴奋点。《美国摄影》年度影像的比赛申请，将近4000人，因此要想在其中选出极其少的佼佼者，当然非常困难。评委们说：摄影家们的确延伸了他们的想象力空间，尽可能展示个性化的可能，在这样一个充满竞争力的年代，真的是非常不容易的事情。
所有的获胜者都有这样的共同点：在数码技术易如反掌的时代，他们坚持以更为纯净的手法，带来了具有更大冲击力的影像。也正如评委所说：从技术上说已经很容易突破了，然而正是基于这样一种工艺的摄影，却给我们带来了具有震撼力的独特瞬间。
这里就是2009年《美国摄影》杂志年度照片揭晓，各分类奖项如下——
极限：泰勒·斯泰伯福德（Tyler Stableford）
喜欢尝试冒险的摄影家泰勒·斯泰伯福德这样说：“我曾经体验过各种各样的极端状态，但是在燃烧的灰烬中还是第一次。”画面是在西卡罗拉多的消防过程中拍摄的，这是一次野外区域的大火。难得的是，消防部门很少能够允许摄影记者在这样的近距离拍摄，但是这次消防队给斯泰伯福德一次难得的机会，因为先前他曾经和消防队合作完成过一组报道。在酷热的现场核心区域，消防队员被热浪模糊成了油画般的质感，让人联想起英雄的场景，从而创造出非常特别的画面。

下面是和摄影家一些有关的细节和问答：
专业训练：自学。10年前开始职业摄影生涯，成为《登山》杂志的编辑。
最危险的拍摄：在冰岛的冰山洞穴拍摄，随时都可能倒塌。
灵感来源：危险的环境，尽管成为父亲后胆子小了点。
最好的建议：把照片给被摄者。消防队员很高兴拿到拍摄的照片，这样就有了以后更多合作的机会。
网站：tyierstableford&#46;com
摄影包：一台佳能EOS 1D Mark Ⅲ，EF70—200mm f/2&#46;8变焦镜头
肖像：迈克尔·汉森（Michael Hanson）
汉森的肖像作品证明，摄影家一旦踏出自己安逸的圈子，就有可能得到最具原创意味的肖像。这位西雅图工作的纪实摄影家，远离家乡来到了埃塞俄比亚偏远的奥莫村，找到了那些村民，那些远古部落的成员，尽管还没有被西方世界所同化，却已经懂得如何给旅游者摆出某种姿势。汉森说：“好像没有任何办法让他们呈现最为自然的形态。”唯一解决的方式，就是使用新闻报道的方式，以最为直接的黑白影像，得到相对纯净的肖像。面对这些村民以及身上的文身，汉森希望传递的，不仅仅是他们非常个性化的人格力量，还有那些令人感兴趣的文化是如何塑造他们成型。

下面是和摄影家一些有关的细节和问答：
专业训练：曾经是一个小团体的，棒球运动员，自学成为摄影师。
自己拥有的作品：埃尔顿·约翰的摄影收藏。
灵感来源：对人的好奇心，包括食品和日常生活事件。
曾经的经历：拍摄过智利的金矿，弗洛里达的牡蛎工业。
最好的建议：拍摄人物重要的是沟通，而非熟练的技术和商业摄影的运作。
网站：michaelhansonphotography&#46;com
摄影包：佳能EOS 5D Mark Ⅱ，EF R50mm f/1&#46;4、24—105mm f/4 镜头。可折叠的金色反光板。
新闻摄影：艾迪·卡什（ED Kashi）
摄影师在拍摄和石油资源相关的“黑金诅咒”这一尼日利亚专题的过程中，他意外发现了一个因为石油泄露而导致的渔场污染的问题。于是他花了三天时间进入现场，和年轻的工人们接触。卡什说：“现场的视觉和情感的力量无处不在，从而调动我所有的判断力，如何能拍摄最伟大的照片。”然而在大量的拍摄过程中，最让他感动的则是这样的画面：一个14岁的孩子扛着一头被燃烧的轮胎烤熟的羊。当照片出现在《国家地理》杂志上时，一位读者感动不已，从而捐出一笔钱想让这个孩子回到学校。卡什说：“当一张照片激励人们去行动的时候，我已经完成了我的工作。”

下面是和摄影家一些有关的细节和问答：
专业训练：锡拉丘兹大学新闻摄影专业学士。
纪实专题：美国人的老化和健康问题，伊拉克的库尔德人，巴基斯坦文化。
灵感来源：人们的故事和问题“搅动你的灵魂”。
最好的建议：了解自己的擅长然后充分展现。你不可能样样都行。
网站：edkashi&#46;com
摄影包：佳能EOS 5D，EF24—105mm f/4以及EF 16—35mm f/2&#46;8变焦镜头，佳能550EX闪光灯。
自然：阿隆·范伯格（Aaron Feinberg）
范伯格喜欢通过PS去强化和提炼他所拍摄的风景画面，但是这幅令人震惊的画面，则完全出自自然的本源。生活在夏威夷岛屿的范伯格，只有仅仅几次目击那帕里海岸边这样壮观的巨浪。他解释说：“一旦当海浪足够大的时候，和礁石的冲击就会形成独特的回应，抓紧时间拍摄就是了。”去年的一天傍晚，他决定冒险拍摄更为壮观的画面，通过两个小时的等待，终于得到了如同爆炸般的蓝绿色半透明的海水。他给照片起了一个有趣的标题：团身后空翻。

下面是和摄影家一些有关的细节和问答：
专业训练：自学。
其他专长：持有大气科学的学位，并且对气候和潮汐规律具有专业的知识。
灵感来源：各种摄影网站如deviantart&#46;com，可以从别人的拍摄中找到借鉴的空间。
最好的建议：拍摄，拍摄，再拍摄。就如莎士比亚所说：最终你会得到一些好东西。
网站：afeinphoto&#46;com
摄影包：佳能EOS 1Ds Mark Ⅱ，EF24—70mm f/2&#46;8和EF70—200mm f/2&#46;8变焦镜头，佳能EF1&#46;4倍增距镜。
个人作品：朱丽亚·富勒顿—巴腾（Julia Fullerton-Batten）
这些年来，富勒顿—巴腾聚焦年轻女孩的生活，以其锐利的影像传递她们矛盾的空间，以看似笨拙的机器人的手法表达出来。在她最新的系列《两者之间》，她关注了从少女时代向成熟女性之间的过渡状态，以及那个阶段所产生的纷繁复杂。她将拍摄的对象落实到了舞蹈者身上，展现似乎难以实现的姿态造型。有时看上去漂浮在空中，有时候似乎被扔了出去，并非优美的造型。她说：“我不需要专业的模特儿，因为她们过于自信。我非常喜欢这些年龄的女孩奇妙的状态。”

&nbsp;

下面是和摄影家一些有关的细节和问答：
专业训练：获得英国伯克郡艺术和设计学院摄影学位。
喜欢的摄影家：盖·伯丁，鲁德·凡·艾姆佩尔，还有雕塑家欧文·伍木。
灵感来源：童年，特别是父母离婚后那个时期。
最好的建议：并非所有人都喜欢你的作品，不要为此担忧。要做一些极端的东西，而非让所有人都叫好的平庸之作。
网站：juliafullerton-batten&#46;com
摄影包：哈苏503CW相机，哈苏40mm f/4镜头，数码后背。瑞士布朗闪光灯头加柔光箱，以及各种灯光附件，以便凝固空中的瞬间。
商业：里卡多·马伦科（Ricardo Marenco）
是否可以通过一张具有创意的影像，让吸烟者熄灭手中的雪茄烟？马伦科说：“我就是希望创造一种感觉，让无数抽烟者如同落入上瘾的陷阱。”这幅作品就是为公共健康广告所拍摄的。为了达到预期的效果，他单独拍摄了舞蹈者在七英尺高的人造纤维的香烟中的画面。然后在画面中数码添加了真实的香烟和燃烧的效果。广告没有任何文字，只有一个求助电话号码——图像说明了一切。

下面是和摄影家一些有关的细节和问答：
专业训练：洛杉矶加州大学电影制作学士，在当助手时学习摄影。
其他拍摄：电影公众海报。
灵感来源：他的母亲，比世界上任何人都辛劳。
最好的建议：最好就是灵敏而迅捷，但不要有任何慌乱。
网站：ricardomarenco&#46;com
摄影包：佳能EOS 1Ds Mark Ⅲ，EF24—70mm f/2&#46;8和EF180mm f/3&#46;5微距镜头，四个电源箱和五个影室闪光灯。
学生作品：肖恩·杜福伦（Sean Dufrene）
在这幅画面中艺术大学专科学院的学生杜福伦捕捉了他的71岁的老父亲超现实的瞬间。这是他父亲专题系列的一部分，既有华丽的构成，又有引人发笑的瞬间，不乏柔情。他说：“我的父亲属于牛仔类型，因此照片离开真实并不远。”杜福伦一开始是想拍摄他父亲纪实的风格，类似理查德·阿威顿的拍摄，却发现他的父亲更具备肆无忌惮的表演能力。他说：“每一次拍摄之前，他总是不停地抱怨，但是一旦当我将照片在班级里面发布，他总是打电话询问大家的反应如何。”

下面是和摄影家一些有关的细节和问答：
专业训练：在加州大学学习经济学和摄影传播。如今在旧金山艺术大学读美术硕士。
将来的主题：一系列高级时尚的拍摄。
灵感来源：昆汀·塔兰蒂诺和梅尔·布鲁克斯的电影。
最好的建议：为自己拍摄，不要迎合别人。批评会使你的拍摄更为完善，但是也会对你有所阻碍。
网站：seandufrene&#46;com
摄影包：佳能EOS 5D，带电池手柄，24—70mm f/2&#46;8变焦镜头，三脚架。电源箱和闪光灯头。
评委介绍（下图）——
马克·爱德华·哈里斯（Mark Edward Harris），无法归类的摄影家，工作于洛杉矶，出版了五本画册，我曾经邀请他到上海来参加过中美摄影家对话活动，由于去过世界上无数的国家和地区拍摄，因此可以定位为旅行摄影家，他自己也有“旅行癖”一说。印象最深的是杜福伦的学生作品：“脱颖而出，幽默而精美的画面。从画面的平衡都光线的控制都恰到好处，具有冲击力。”
詹妮丝·里普辛（Janice Lipzin），和艺术世界有复杂牵连的摄影家，西格玛和马格南的代理商，也是作品的咨询专家。如今是位于宾夕法尼亚一家画廊的视觉艺术和教育指导，曾经监督和策划了大量的展览和艺术程序。印象最深的是富勒顿—巴腾的个人主题：“女孩的优雅和完美却是对地心引力的挑战。他们如此不合常规，但是看上去又属于他们自己的空间，有自身的地位。”
州府官员等。如今将时间一分为二：指导训练摄影工作坊，为著名的软件进行培训管理，同时拍摄一些私人的专题，比如他最喜欢的披头士。印象最深的是马伦科的商业摄影：“简洁、创意而强有力。我想象需要大量的拍摄。”
波拉·托格纳瑞丽（Paula Tognarelli），波士顿具有影响的格里芬摄影画廊的指导和主管，组织了大量的展览以推动社会意识的进步。她曾经有25年的图像艺术经历，也是数码摄影的专家。印象最深的是卡什的新闻摄影：“卡什是一个讲故事的高手，将我们带入了戏剧化的场景，让画面中的孩子引起了我们现场的共鸣。”

  ]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=609031]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Mon, 08 Feb 2010 12:51:20 +0000]]></pubdate>
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 <title><![CDATA[时尚界的完美搭档——克林科和英德拉妮]]></title>
 <description><![CDATA[    

摄影家马库斯·克林科（Markus Klinko）和艺术指导英德拉妮（Indrani）的确是时尚界的一对传奇人物，尤其擅长于名人的拍摄。比如他们和名模坎普贝尔的合作，就可见一斑。摄影家们往往喜欢将坎普贝尔描绘成一位超级英雄，当然这也是她个人实力的名至实归。英德拉妮这样说：“她是一位强有力的女性，但是人们对她的评价往往局限于过去的印象。”然而这对摄影人对她的拍摄则另有一番见解。克林科这样说：“你们对她的印象实际上在这里什么也没有出现。不管人们怎么评说，她到我们这里拍摄，并非是以名人的身份登场，她只是一个模特儿而已。她和我们有着非常随意的合作空间。”最终他们的合作具有双重性，让人们重新分享这样一种带有传奇色彩的故事。 

克林科和英德拉妮具有不同的天赋，但是相互之间得到了很好的互补，因此得以在摄影界纵横驰骋，展开了顶尖的专业生涯空间。回溯1990年代初期，瑞士出生的克林科是一位世界知名的竖琴演奏师，生活在纽约。在经典的音乐世界游刃有余多年之后，他在1994年决定放弃竖琴而转向摄影——他所喜欢的但是知之甚少的全新领域。他一旦决定之后就义无反顾，卖掉了他所有的竖琴，转手购买了摄影器材。两周以后，他就得到了一家模特代理公司的一份拍摄工作，并且遇上了英德拉妮。
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当时的英德拉妮已经是一个成功的模特儿，而且由于对摄影的理解，和克林科开始了长达15年的合作。两者有很多相同之处，浪漫而专业，合作的过程既适合杂志的风格，也独具个性。他们不久就和一些著名的公司签约，接受了大量的拍摄任务。其中他们得到了超级名模伊曼和她的丈夫大卫·波维尔的青睐，让他们的事业走向了高峰。至今，克林科和英德拉妮还将他们夫妇称之为教母和教父。尤其是他们的“教母和教父”不仅肯定了他们的拍摄风格，同时还鼓励他们向新的方向发展，形成完全不同的风格样式。这也是他们的事业能够在短时间里有重大突破的原因所在。

在拍摄过程中，克林科掌控着照相机，英德拉妮则成为艺术指导，展开了一致却充满了张力的元素。英德拉妮同时还涉足后期制作，这也是他们作品的重要组成部分之一。他们的作品介于梦想和真实之间，用他们的话来说，名人生活在大多数人的梦想之中，我们则找到了所有令人感兴趣的世界。在忠于生活和超越生活的过程中，他们在名人文化的领域展开了一片充满魅力的、神秘的甚至是令人敬畏的空间。克林科这样解释说：我们不想让什么东西落到地球表层，我们就是在梦幻和真实之间寻找什么。

打开他们的摄影包，可以看到这样一些器材装备：
玛米亚 RZ67 Pro IID 6×7cm相机，65mm f/4广角镜头。
配合玛米亚相机的Leaf Aptus-1110数码后背，56百万像素，图像文件高达345兆。
两个3200瓦/秒的Broncolor Scoro电源箱，加上闪光头，以及一些灯光附件。

下面是一次采访的问答——
《美国摄影》：当你第一次遇见英德拉妮，她看到你的照片时，马上提出了一些不同的想法。你是怎么应对的？
克林科：她是如此美丽出众，她当然有权利提出任何要求。尽管摄影家都有相当的自尊，但是我耐心地听她解释，只是出于一个简单的理由：她总是对的。有时候我们也会有冲突，但这是健康的冲突，有益的冲突。
英德拉妮：我们之所以会有冲突，就是因为我们都充满了激情。我们在相互之间完全彼此尊重，因此能够畅通地交流真实的想法。当然我们并非相互之间奉承，只是面对真实而已。
&nbsp;
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《美国摄影》：你们的意思是说这样的冲突可以让作品更完美？
英德拉妮：这是创造过程中的一部分。
克林科：一些原始的冲突实际上源于男性和女性的差异。然而这样的差异反而更好地找到了独特的表现空间。
英德拉妮：对于我们最重要的，就是多样化的视点。我们尽个人的努力走向成功的彼岸。
《美国摄影》：你们之间有什么特别的东西在合作中出现？
克林科：当你从事时尚摄影，就会面对许多美女。对于一个陌生男人的最大挑战，就是一旦从男性的角度被热辣的美女吸引之后，出来的照片往往会带给人们完全不同于想象中的效果。所以我从英德拉妮那里学到的就是：从中性的角度观察和拍摄。
英德拉妮：我想在画面中创造的，不仅仅是女孩表面上的美丽……而是一种独特的、超凡的品质，这才是真正让我兴奋之处。
克林科：我常常非常固执地坚持自己的喜好，但是她会分析问题所在。
&nbsp;

  ]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=609029]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Sat, 30 Jan 2010 05:05:35 +0000]]></pubdate>
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 <title><![CDATA[玛格丽特·伯克—怀特的早期作品（1922—1930）]]></title>
 <description><![CDATA[

我们熟悉的玛格丽特·伯克—怀特（Margaret Bourke-White，1904—1971）是20世纪杰出的新闻摄影师，以人道主义的敏感和关怀著称。她的许多报道摄影作品已经成为经典，都是20世纪的摄影坐标。

&nbsp;

伯克－怀特在第二次世界大战出生入死，并被委任为美国空军官方摄影师，她拍的照片由美国空军和《生活》杂志共同使用。战争结束后，她还受《生活》杂志委派到印度，在那里她拍摄了圣雄甘地（下图），并且在甘地被刺之前，曾采访了他几个小时。在印度最重要的成果是拍摄了印度和巴基斯坦两国间的教徒大迁移，并完成了《通往自由的途中》的作品集，深刻地揭示了造成这场悲剧的原因，使其具有很高的社会学价值，为纪实摄影添上了亮丽的一笔。

&nbsp;

伯克－怀特曾在她1963年的自传《我的肖像》中讲述了她对摄影的认识：
“我不知道还有什么事能与发现新事物的喜悦期待相比，有些事是无法预测偶然出现的，有些事是你可以发现的，因为作为一个摄影师的同时，你还是某种类型的人，你会对某样事物产生反应，而对此其他人即使路过也会视而不见，其他的摄影师也会拍摄，但也是另外的不同的风格。只有你能够带着那种独特的精神的或是情绪的体验去感知那个特别的故事的情节，然后用胶片捕捉它。
“当然，我将摄影家放在最为核心的位置，这是我的职业——同时也是我的深深的乐趣。”


然而这里所展现的，却是一个不为人知的伯克—怀特，是这位年轻的业余摄影爱好者在18岁到26岁时拍摄的画面（从上一组图开始）。她的第一张照片拍摄于1921年，是在哥伦比亚大学的克拉伦斯·H&#46; 怀特的指导下拍摄的，是一幅精心设计的柔和的静物画面，具有那一时期特有的画意特征。她在后来的密歇根大学和科内尔大学的学习过程中，主要拍摄校园的传统的建筑肖像，而她第一幅工业作品，则是扬声器。毕业后她移居克利夫兰市，带着一种全新的审美的激情，拍摄了奥蒂斯钢铁厂的内景，包括钢桥的支架，以及新的终端塔。正是这些令她激动的工业景观（拍摄于1928—1930），带她进入了《财富》杂志，逐渐成名。

通过这些摄影家生前很少披露的照片，我们可以深入了解这位摄影家的摄影经历，以及早期的美国新闻摄影的历史。我们可以看到，早期的伯克—怀特在没有进入专业领域之前，仅仅带着很少的摄影器材，并不成熟的摄影技术，以及自己狭小的公寓中分割出来的暗房。渴望成功的梦想终于让她一步一步实现她的愿望。她这一时期照片大胆却显得有点粗糙，明显具有印象主义的画意风格，这是当时流行的朦胧的景观，软焦点的室内景物，流淌的瀑布等等。然而正是这样的作品，将她引入了商业摄影之门。她很快走向成功，每张克利夫兰的工业世界照片售出了100美元。这以后的十年，她的作品大量出现在《生活》杂志上，从而使其成为家喻户晓的名字。

今天纵观伯克—怀特学生时代的照片以及她的新闻摄影生涯的作品直到她去世前的拍摄，很难令人相信这是出于同一位摄影家之手。每一幅照片都像是摄影家视觉的一次延伸，其中无不充满了摄影家的激情。她为20世纪的新闻摄影留下了里程碑的辉煌，影响了后来无数新闻摄影记者——然而她自己却是一个瘦弱的女性。她的照片已经深深地留在了数十年美国人生活的记忆中。


伯克—怀特曾经被特伦斯·海斯称为“150年艺术史中无可争议的最著名的摄影家”。进入20世纪90年代，她的作品拍卖价格大约在1200到120000美元之间，而她一些早期在俄罗斯展出的大尺寸照片已经没剩下几张了。
&nbsp;这幅摄影家的肖像，是由另一位著名女摄影家贝伦尼丝·阿博特所摄]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=608668]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Thu, 28 Jan 2010 08:29:23 +0000]]></pubdate>
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 <title><![CDATA[伊格莱斯顿的摄影和绘画]]></title>
 <description><![CDATA[美国摄影家威廉姆·伊格莱斯顿（William Eggleston，1939—&nbsp; ）和梅耶罗维兹、肖尔被称为美国新色彩摄影的三驾马车。他曾在南部家中的周围环境中，使用彩色胶卷记录荒芜的道路、废弃的工业产品、被抛弃的汽车等等。他常常以偏冷的色调和过于冷静的构成方式，暗示了生存空间的多种可能，从而将色彩的地位提高到另一个高度。下面的文字节选自他的《民主森林》：

&nbsp;

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“我对待事物很民主，那并不意味着就是我和别人谈起的事情。我已经有不同的、丰富的储藏。我去过柏林和匹兹堡完成很庞大的工作，从那时起，从暗盒里出来的东西以及数以千计的印刷品从一开始就构成了凝聚力的感觉。在1983年到1986年的这段时间里，我所有的工作都有一个强制的标准——民主。……其实那和卡蒂尔—布列松的决定性瞬间并没有太多的不同，他将从美国到中国的整个世界带入了‘决定性的瞬间’。”

&nbsp;

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布鲁斯·瓦格纳在1999年出版的一本画册中，是这样评述伊格莱斯顿的——
我们的生活中其实有许多神秘的现象，但是如今我们却难以找到或者难以把握，尽管我们可以在晚上找到神秘，但是很快就会遗忘。然而威廉姆·伊格莱斯顿就有这样的能力，将日常生活中的司空见惯的现象转换成一本神秘的挂历，让我们感受到生活的奇妙。一切都是如此的世俗，形形色色的汽车，残酷无情的建筑表面，毫无表情的狗脸，斑驳的树和巨石，色彩迷离的都市和乡村……这一切加起来带给我们的是什么？也许里面充塞着无名的悲哀，暗示的人类的末日？也许其中并不是悲哀也没有嘲讽，仅仅是摄影家收集的神秘，和我们的焦虑无关，展开在蓝天白云下面。

&nbsp;

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这些也不仅仅是对一切逝去的怀念，是一种没有功利色彩的神秘所在。就像是镜面，照出了我们的过去和未来，是我们自身无法把握的神秘。摄影家在暮色中观察天空，多云的天气，没有月亮的出现。一个孩子在他身后问道：“星星永远是在远方？”他被感动了。以上和下面一组作品选自最近再版的画册《二又四分之一》。
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然而到了21世纪的空间，已经70岁的伊格莱斯顿面对记者却很不情愿讨论他的摄影作品，于是记者就问起了音乐，尤其是他自己的作曲，是为风琴所创作的乐谱。老人说：“我心目中的英雄就是巴赫，但是他没有太多的乐趣，也许因为他只是为教堂作曲……有人告诉我他所创作的清唱剧实在太复杂了，没有人能够唱。”

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后来，伊格莱斯顿告诉记者：“当我印制出一组新的画面时，我总是先将它们倒过来观看，这样有助于我在正常观看时的感觉。我总是关注一些不曾注意到的视觉可能。”或者说，他试图以截然不同的方式体验某些东西。

新鲜的体验方式对于伊格莱斯顿来说太重要了。根据这样的思路，他又一次谈起了美国作曲家约翰·凯齐的观念和作品：“我无法确认他是一位音乐家还是一位魔法师，但是他太迷人了。”这一次，记者在他的工作室里看他的一些新的摄影作品，拍摄于哈瓦那、巴黎以及京都。然而记者更感兴趣的则是他的涂鸦，也就是在两年前的一些绘画。那时候他在巴黎的石版画家的工作室里，在帕特里克·弗雷斯特的指导下，制作一些有限版本。他说他处于一种油墨、石头和压力的状态中。他说他曾经研究过亨利·马蒂斯的版本，也是在这个画室中创作的。以前他说过喜欢的两位艺术家是德国的杰哈德·里希特和美国艺术家埃德·拉斯查。他也研究过中国绘画，此外还对康定斯基十分迷恋。他说康定斯基对图像艺术的解剖，包括色彩和构成，就像是纳博科夫解剖文学的方式一样。也许对于他来说，音乐、绘画以及文学都有共通之处。

最后，伊格莱斯顿给了记者一个笔记本，让他带回旅馆去看，并说可能会让记者喜欢。这就是他最近的一些绘画，有的很小，是用精细的钢笔和彩色粉笔画的，另外一些的纸张不同，浸透了更为明亮的水彩色。后来他在电话中解释说：“当我在日本的时候，喜欢看日本电视，他们总是喜欢使用绿色和淡紫色，构成了精彩的整体效果。”有时候他还喜欢在杂志的页面上画，尤其是《人物》杂志，也有的时候会完成一些抽象的拼贴。

年轻时候的摄影家，曾经受到卡蒂尔—布列松的影响，尤其喜欢马蒂斯为卡蒂尔—布列松的《决定性的瞬间》所设计的封面。有趣的是，晚年的卡蒂尔—布列松也转向了绘画生涯。1995年，《光圈》杂志曾经出版过卡蒂尔—布列松的一些绘画，他曾说介于绘画和摄影之间是最令人烦恼的事情，他还在画册中写道：“如果摄影还有点意思的话，只是因为它们仅仅处于‘决定性的绘画’时代。”当伊格莱斯顿被问及这两种媒介的关联时，他也只是耸耸肩而已。

记者问他，是否也会将绘画倒过来看，就像观看照片一样。他说：“老实对你说吧，许多画都创作于不同的方向角度。这就意味着底端不一定就是下面，尽管最终我还是会做出一个决定。”过了很长一段时间的停顿，他总结说：“不管是照片还是音乐，也不管是绘画还是其他什么我能做的，最终都是我个人体验的提炼和抽象……”接下来他笑了。
然而我还有点困惑，因为在他的绘画和摄影之间究竟有什么可以言说的关联，我一时还没有想清楚。你呢？


]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=607198]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Tue, 26 Jan 2010 07:08:51 +0000]]></pubdate>
</item>
<item>
 <title><![CDATA[《另类时尚》的另类作品（下）]]></title>
 <description><![CDATA[
当然，一本另类的时尚杂志离不开强有力的摄影指导，比如在2006年以前工作的摄影指导艾玛·里维斯就扮演了一个非常重要的角色。尤其是她培育了一批能适合这样一类杂志工作的优秀人物。不仅是新人，她还擅长于将一些大师级的人物吸引到了杂志，比如史蒂芬·肖尔以及维尔·麦克布莱德。







此外，摄影家霍斯特·迪尔克戈德斯则是幽默的形态出现，甚至还会给杂志带来健康的不敬感，并且将嬉笑怒骂带入镜头。和杂志合作的摄影家还很多，比如马克·赛加尔和劳伦斯·帕瑟拉，前者善于在时尚中融入精彩的场景，从非洲的草原一直到土耳其的浴缸，后者则擅长于通过敏锐的观察在摄影室中营造动人的故事。








一个季节接着一个季节，《另类时尚》杂志不同的视点和缤纷的故事不断呈现。而且他们善于将欧美的文化相互借鉴融合，不管是赛迪里克·布切特推出的伪装成提包女孩的狂妄模特，还是特里·理查德森不同寻常的爱情故事，同样都推动了时尚摄影向新的领域发展。
&nbsp;







于是在这本画册里，我们看到的就是这样一些杂志的原始影像。当然除了摄影家之外，杂志还列出了相关的设计师、模特儿、发型师以及化妆师等整个梯队的名单。因为这是一个不可或缺的团体创作过程。
另类时尚，究竟有多少“另类”，还请各位自由评说。






]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=607204]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Sun, 24 Jan 2010 08:14:02 +0000]]></pubdate>
</item>
<item>
 <title><![CDATA[《另类时尚》的另类作品（上）]]></title>
 <description><![CDATA[

这是一本选自《另类时尚》杂志的作品集。
一切发展太快，时尚摄影的定义似乎也十年一变，主要因素为激烈的全球化过程，以及摄影和其他艺术形态的复杂交织，加上时尚和消费文化的变异。在这一领域，摄影家已经成为一种品牌，风格设计师转换成艺术家，许多杂志浮现在当代展览的空间。


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于是这本叫《另类时尚》的杂志，在第一期的封面上就刊登了由尼克·奈克拍摄的年轻情侣的画面，风格设计为时尚指导凯迪·英格兰。他们联手探索了一种纯真的、理想主义的以及浪漫的情绪，并且认为这是当代时尚杂志所真正缺失的，从而试图回归一种真实的情绪喷涌的状态。
从这以后，杂志开始建立了一系列的计划以挑战程序化的文化模式，力挺新的天才，最重要的还是创造高度原创的影像。这以后，马里奥·索伦迪和《另类时尚》杂志合作了很长一段时间，其风格明显受到俱乐部文化的影响。和杂志合作的其他关键人物还有萨姆·泰勒—伍德，其浪漫且独具特色的方画面构图令设计者耳目一新。当然还必须提到的是，克莱格·迈克迪恩也以其独特的影调和节奏出现在杂志上，并且将时尚的概念推向了极端。




















]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=607202]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Fri, 22 Jan 2010 12:31:28 +0000]]></pubdate>
</item>
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 <title><![CDATA[韦伯格二十五年的私人空间]]></title>
 <description><![CDATA[
女摄影家乔安·韦伯格（JoAnn Verburg，1950—&nbsp;&nbsp;&nbsp; ）出生于新泽西州的萨米特，生活和工作于圣保罗、明尼苏达、斯波莱托和意大利。她的摄影作品在技术上可谓是不择手段，但是在题材上似乎也很普通，比如肖像，风景，家庭景观等等。她的一些作品似乎让观众放松了警觉，让他们难以确定观看者与现场景观究竟存在什么样的关联。然而她的叙述文本似乎超越了时间和空间，或者说和两者都同时密切相关。她的一个最重要的延续中的主题，就是涉及非常私密的个人生活空间，包括她的丈夫的系列，诗人杰米·摩尔，躺着或者阅读书报。这些作品构成了一种微妙的平衡关系，介于不设防的亲密关系和客观现实之间，经常显得粗率，超越了作品本身进入了整个世界。是否可以这样说：不管是拍摄艺术家、游泳者、报纸、树还是沙堆里构造的金字塔，她总是在敏感地探索时空关系。

现代艺术博物馆从1983年开始就收藏韦伯格的作品，当时她的作品刚刚得到观众的认可。在后来的20多年中，博物馆一直在收藏她的每一个进行中的系列作品，包括肖像，家庭场景，风景，以及静物。这些作品也曾经在不同的展览空间展出过，引起过不小的反响。

韦伯格这些经典的系列作品都是通过多重画面的组合系列完成的，而且她的许多系列作品的探索时间长达十年以上。因此，作为一位艺术家，她在当代摄影的范围中具有不可低估的价值，而且是具有高度个人化的、同时又和人类关注力相互发生关联的系列。这种关联发生在她的照片中的人物之间，也发生在她的作品和观众之间。因此，这是一个长达25年的探索过程，不同于学院派的思考，有着独到的审美价值，充满了巨大的活力。

的确，她的作品的确是对人们鉴赏能力的一种挑战，存在于一种独特的状态中：在一种看似漫无目的的视觉平衡过程中，保持了艺术家和观众之间的强大张力，似乎让人进入了一个既在探寻过程又似乎找到什么的门槛前。这样一种状态也有助于她在一个相对稳定的场景中，始终保持着纯真。她从艺术世界的时尚空间走了出来，尤其是摆脱了二十年间的反讽和愤世嫉俗，以高度个人化的情感空间和私密程度，释放出摄影的冲动，准确地将直觉和观念置于画面之外。


至于你怎么阅读，这倒是一个问题。尤其是对于中国观众来说，长期以来受到了中国官方摄影单一化模式的制约，恐怕还是需要有一个适应的过程。]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=606614]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Wed, 20 Jan 2010 08:19:09 +0000]]></pubdate>
</item>
<item>
 <title><![CDATA[十大女性摄影家之一的坦尼逊（下）]]></title>
 <description><![CDATA[
在2002年和2004年，坦尼逊将镜头转向了人生进入衰老阶段的人物肖像，连续出版了两本和以往作品风格迥异的画册《智慧的女人》和《令人惊讶的男人》，以独特的见解和别具一格的人生观，给我们带来了全新的思考空间。
《智慧的女人》是她的第七本书和摄影作品集，是她摄影生涯中最具有影响的主题。她拍摄和采访了大约300位年龄从65岁到100岁之间女性，从缅因州到加利福尼亚的长途跋涉，努力去发现生活进入老年阶段的秘密。
这个过程看上去就是一次没有尽头的旅途，在忙碌的名人之间不断安排和修订时间表，通过网络和同事、朋友之间的不断协调，从而接触到了书中这些非凡的女性。仿佛是找到了一口秘密的井，深藏的资源源源不断地喷涌——那些脸，那些故事，以及具有洞察力的目光在不断积累。她感到这是一种时间的馈赠，也是一种责任。
在这些肖像中，女性所展示的不仅仅是她们的外观，更重要的是内心的生活，既有悲痛也有成功的喜悦。摄影家和被拍摄者一起发现了通向内心深处渴望的旅途，包括爱情，充满希望的怜悯，以及对人类弱点的同情。每一位女性都有自己的特性，有与众不同的洞察力。许多人复归于平静隐居的生活——不管她们当时是如何著名和具有威望。随着人生的变老，上帝似乎很公平地给与了她们智慧。
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上图：《泽尔达·卡普兰，85岁》
我曾经热衷于舞蹈，但是不幸的是，我的双亲都去世了。
如今我在世界各地偏僻的村庄旅行，那里的女性都穿着她们自己的服饰。
我设计自己所有的服装，试图保持服饰的完整。
我喜欢帽子。
这一顶帽子使我感到像一个虔诚的牧师，她给身边的人们带来快乐和爱。

上图：《布鲁克·阿斯托，98岁》
随着年龄的增长，我会越来越充满激情，我会将更多的激情投入到自己信赖的计划中。
我依旧喜欢在晚上打扮得优雅大方，成为一个晚宴的“参与者”。

上图：《凯蒂·卡里斯尔·哈特，90岁》
我每一天都练习唱歌。我曾经和所有的名人一起工作——欧文·伯林，乔治·格什温，科尔·波特，理查德·罗格斯。
如今他们都去世了。
我是唯一幸存的理解他们的人，我依旧在歌唱。
我告诉年轻人，到我这样的年龄还应该继续工作，这样才会保持活力！

上图：《克里斯蒂安·李，67岁》
最重要的事情就是去尝试和享受生活——因为你无法知道将来会是什么样。
如果你在早上醒来，要在洗衣服和公园散步之间做出选择，那么就去散步吧。
你厌恶死亡，就会意识到你竟然会在你生命的最后一天洗衣服！

上图：《玛丽·克里斯塔贝尔，80岁，艾丽斯，80岁》
在出家以前我在美国海军呆了三年。玛丽·克里斯塔贝尔修女则在加拿大海军。我们都感到很喜欢自己祖母的角色。我们在过去的50年中抚育了更多的孩子，如果我们结婚的话则不会有这样的可能。

上图：《莱比·莱曼，75岁》
生活在今天。
我父亲曾经对我们说：“这是上帝赐予我们的一天。”
我永远不会忘记。
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《智慧的女人》——这本记录女性肖像的书引起了强烈的反响。每天都有来自世界各地的人通过信件或电子邮件告诉她对这本书的喜欢，并向她讲述他们自己的故事。许多人问她是否可以拍摄男人在老年阶段的肖像。
于是她决定开始自己新的旅途，遍及迈阿密、洛杉矶、哥伦布市、俄亥俄、蒙大拿、波特兰以及缅因州等城镇乡村，拍摄和访谈了大约150个对象，并且最终在2004年出版了《令人惊讶的男人》一书。
她说：“我喜欢这本书的工作：我感受到了惊讶、愉快、挑战以及提升。一些男人是性感的、聪明而幽默的，一些则是脆弱的，还有的散发出老年人的光芒。所有的一切都让我看到了男性的错综复杂。这些足以信赖的肖像讲述了他们丰富的生活阅历。”
她还说：“我们的脸上透露出生活的蚀刻。我们都知道无法逃脱衰老，无法避免死亡。在我环绕美国拍摄时，我听到了许多故事。我很想通过这本书和大家一起分享我所收集的难忘的体验和趣闻。”
智慧的女人和令人惊讶的男人，一个永恒的主题！

上图：《伦纳德·多拉和妻子，60岁》
拥有一个孩子对我的生活来说是一个奇迹。冒险总是有价值的。我们新的孩子将给我们带来新的世界。

上图：《艾尔·赫什菲尔德，99岁》
我的传记在我的绘画中。我对线条从不会失去兴趣。人们将我的作品称为漫画，但是其中并没有结构上的变形——这是一种真实的描绘。

上图：《大卫·莱曼和儿子，65岁》
我的儿子哈瓦那怀孕于古巴的旅途中。很难理解这些年来我如何将自己埋葬在商业中。有了一个孩子成为我今天最大的生活乐趣所在。
上图：《阿诺德·纽曼和妻子，85岁》
我拍摄过十位美国总统，以及许多名人，但是最终最重要的就是和家人及朋友生活在一起。一切也只是墙纸。每天晚上看新闻时，我依旧握着妻子古丝的手。

上图：《本·金斯莱，60岁》
对我们部落的奉献，作为一个小说家，在描述中对黑暗面的缺席是一种可怕的过错。我只是为正义而战，让一部电影闪现光芒。

图13：《弗雷德·戈德拉普，69岁》
我有50年的魔术师生涯。人们喜欢笑，然而人们都为今天担忧。这是我最喜欢的玩偶。他戏弄我。作为金牛座，我需要生活的多维性。我们在一起可以让人们开怀大笑。这就是给我生活带来的意义。
&nbsp;]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=606139]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Mon, 18 Jan 2010 05:04:15 +0000]]></pubdate>
</item>
<item>
 <title><![CDATA[十大女性摄影家之一的坦尼逊（上）（清洁版）]]></title>
 <description><![CDATA[1967年，乔伊斯·坦尼逊（joyce Tenneson，1945—&nbsp; ）还是一个年轻的、头发卷曲的学生，结束了哈佛大学法国文学的研究生课程，作为模特儿参加了波拉新色彩胶片的测试程序。当时得到的报酬是提供免费的照相机和无限量的胶片，结果就开始了她的摄影生涯——主要是自然直率的自拍像，和传统的女性肖像模式迥然不同。坦尼逊曾经写道：“我就像是一匹赛马被引出了大门，我开始了奔跑和拍摄，结果四十年来从未停止过。”

从先前的模特儿到当代知名的摄影家，坦尼逊完成了一系列令人震惊的作品，并且以其独特的传递方式、光线手段和广泛的知识面赢得了一片喝彩。
四十年间的作品风格多变，包括最早的黑白的自拍肖像，以及一直延续至今的自拍，既有黑白，也有彩色。作为一种自传体的自拍模式，展现了摄影家的自我空间的多样性和心灵的反省。同时，她还通过对女性身体的实验性描绘，在70年代和80年代对男权主义的世界进行了不懈的挑战。这些作品都具有淡雅的色彩和空灵的境界。

到了90年代，坦尼逊的主题很快转向了对女性生活状态的探索。她曾经写到：“这些照片的呈现往往是非常自然的，为她们提供了一个表达的空间。”这些在个人隐私和公共话题之间若隐若现的表达语言，至今还引起人们的探讨，成为一个可持续的话题。
随后，在将探索转向人类心灵的过程中，她连续出版了两本更具影响的画册：《智慧的女人》和《令人惊讶的男人》。她让那些60岁以上（有的一百多岁）的女性和男性沐浴在一片古典的光芒之中，并且通过每一位被摄者的话语，构成了当代摄影中独一无二的范本。
坦尼逊的作品曾经在世界上200多个展览中展出过，并且被众多画廊和私人收藏。她的照片也曾出现在世界知名的杂志封面，包括《时代》、《生活》、《娱乐周刊》、《新闻周刊》、《首映》等。她的肖像摄影代理商编辑欧洲、日本和美国。她曾经被《美国摄影》杂志评为摄影史上最有影响的十位摄影家之一，并被国际女性摄影组织授予“年度摄影家”的称号。由于教学和拍摄的双重需要，她的生活分别在纽约和缅因州等地。]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=606248]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Sat, 16 Jan 2010 09:17:32 +0000]]></pubdate>
</item>
<item>
 <title><![CDATA[直面世界的寓言—资佰影像个展]]></title>
 <description><![CDATA[

上海蛮象艺术车间
将于2010年元月15号19:00
举办由林路 策展
《直面世界的寓言—资佰影像个展》开幕酒会
届时邀请各界朋友参加！
地址：普陀区莫干山路50号（近昌化路）4号楼A座210蛮象艺术车间&nbsp;&nbsp;

大凡优秀的艺术品，都可能是一个童话式的寓言，以天真的目光解构世界的沉重，从而演绎出生命的奇迹。来自云南的艺术家资佰这些年来所面对和思考的，并且通过影像本身演绎的，正是这样一个童话般的寓言，在看似斑斓华丽的时空帷幕背后，隐含着一个艺术家的良知和无奈。诚如苏珊·桑塔格所说，照片是时间的切片。那么，当无数的切片以目眩的方式堆积在一起的时候，你看到了什么？

也许这样一个寓言和整个世界的过度消费有关，或者说这样一个寓言是和全球生态环境的恶化有关——然而这只是提供我们对于资佰作品解读的一个基础而已。艺术家的敏感，就在于他们以敏感的目光和敏锐的心智，早于所有的统计数据或者科学家的预言，意识到了未来世界可能面对的一切。于是，当铺天盖地的消费垃圾汇成汹涌澎湃的浪潮向我们涌来之际，艺术家忧心忡忡的目光依旧呈现出童话般的天真情趣，让所有的思考都变成了生命的警示。

下图为上图的局部

当然，艺术家不可能解决这些世界性的问题。资佰的作品却担当起了提出问题的责任，而且是以童话般的色彩和寓言的方式，触动了我们所有人心底最堪忧虑的那一部分神经——我们只有一个地球，这是我们共同的未来！资佰的实践将问题的提出选择了形象的方式，构成了多元化的思考和理解的可能，从而也为这个世界的未来，提供了一种看似超现实主义的——实际上是真正具有现实主义价值的人文见证。

下图为上图的局部

我希望大家都能有机会站在资佰的作品面前，感受那些以无数客观真实的细节连缀起来的世界奇观。不管他是留恋过去、直面当下还是暗示未来，无需贴上太多的政治标签，比如权利、意识形态、话语权等等。只需要在波澜起伏的影像大潮中，留下一份心底的感动和震撼，这就够了。也许这样的影像在一百年以后依旧能够提出一个令人难以释怀的问题，而非回答一个早已解决的问题！
好在生活还在继续，我们将一起见证童话般寓言的结局！

下图为上图的局部

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]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=605585]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Thu, 14 Jan 2010 02:47:47 +0000]]></pubdate>
</item>
<item>
 <title><![CDATA[索罗钦斯基的心理学舞台]]></title>
 <description><![CDATA[
现年27岁的俄罗斯女艺术家维克多利亚·索罗钦斯基（Viktoria Sorochinski，1979—&nbsp; ）曾获IPA国际摄影奖等多个奖项，在她近期的一系列作品中，通过舞台导演的方式，注入了心理学的力量，隐含着痛苦、困扰以及各种暗示的情愫。尤其是孩子的过于成熟以及父母的过于年轻以至于无法应对的诸多现实，将青春期和成年期的心理学难题放到了观众的面前。

是什么原因让摄影家去观看这样的一种冲突，以及为什么她会被吸引进入这样的一种转换时期的特殊现象？问题的提出也许具有很多敏感的因素。摄影家说：“我的兴趣在于心理的冲突，包括心理的弱点和张力，甚至涉及病理学等多种因素，尤其是人们之间的相互关联。”当然，这其中也有她自己的生活体验，私人的生活感受。

索罗钦斯基出生于乌克兰，10岁前一直生活在俄罗斯，然后在90年代随同父母移居以色列。在耶路撒冷呆了六年以后，她前往加拿大的蒙特利尔，开始学习摄影。后来在纽约大学获得艺术硕士学位，从而奠定了她的艺术生涯。她一直在世界各地迁移，忘却了自己的身份特征以及作为艺术家固定的视觉方式。

这样一种流浪式的体验，使其对人物之间关系的发展有着特殊的体验。此外女性的敏感和柔情也使她更容易接近这样一种人物关系空间，尤其是母亲和孩子的关系。她的双亲留在以色列，她在旅途中创造自己的主题，从而使她考虑更多的问题和更为广泛的空间。这些主题包括母女之间的关联，其中涉及一位23岁的单身母亲安娜和她三岁的女儿。艺术家从安娜和她的女儿身上发现：很难说两者之间谁控制谁，谁的身上具有更多人类原本的元素。她和从俄罗斯移居加拿大的安娜朝夕相处，成为推心置腹的朋友，也给她的创作和心理学研究提供了良好的基础。

在随后的一系列影像中，哈苏相机方画面的构图在恍惚中带有悲剧叙事的风格和深深的渴望。茫然的情感世界中却呈现出戏剧化的舞台风格。她试图通过光线和阴影调节情感的强度：大胆的明暗对比反差使现场氛围具有了某种悬念，强烈的地平线光线伴随深深的阴影，将视线吸引到了消极的人物身上。母亲和女儿的张力被强化了，尤其是母亲成为角色扮演的关键。

除了分析女性的渴望之外，索罗钦斯基还将自己放入另一种关系的探讨之中，更为复杂，也更为含糊不清。包括父亲的出现，包围在森林中的房屋等等，试图揭示隐藏在这背后的一切可能。在父亲面前，女儿更像是一个主人，一个强力的操控者，并且柔和地、无意识地施展着她的权力。父亲过于年轻，女儿过于聪明，一切疑问都从画面中隐隐地渗透出来。

摄影家解释说：我试图理解人类关系中的这些冲突、虚弱以及病理学的因素是如何产生的，这和我们的性格有关，包括随后进入成年期的生活关联。摄影家试图在弗洛伊德心理学的基础上更进一步，揭示更为深层的原因。

尽管摄影家否认她的影像中涉及性心理的因素，但是不可避免的，随着她的作品的不断深入，我们依旧可以感受到这样的可能。也许这也是摄影家未曾预料的，同时正是作品的迷人之处。更多作品：www&#46;viktoriart&#46;com
&nbsp;
]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=605322]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Tue, 12 Jan 2010 07:20:37 +0000]]></pubdate>
</item>
<item>
 <title><![CDATA[从杭州艺专的艺术教育说起]]></title>
 <description><![CDATA[

熟知中国绘画史的人都知道，上个世纪30年代的国立杭州艺专，是一段充满惊奇的传奇。一些以后享誉世界的中国绘画大师级人物，都出自这所看似名不见经传的学校，比如吴冠中、赵无极、朱德群等等，都是一些重量级的如雷贯耳的名字。于是曾经有人提问：究竟当年的杭州艺专播下了什么神奇的种子，使得它的学生能在多年以后的国际艺坛一再地崭露头角，获得认可能？

&nbsp;

答案可能有许多，但是有一个最为重要的答案是不可忽视的，这就是当时的校长林风眠的艺术主张和教学态度。赵无极曾在自传里说：“林风眠鼓励我对传统的质疑，当我要以不同的方式观察和思考时，他宽容我，还保护我不受排挤。”对这一点，吴冠中和朱德群和颇有同感。有评论说，归根到底，还是一种开放的精神、一种从不封闭的心灵状态。这种状态激励并滋长了那种独立的内核，不循常规、独立于一切艺术的习腔陈调，它带来了至关重要的艺术自觉和创造动力。

&nbsp;

来到70多年以后的中国摄影教育现状，这样的开放精神是否能和当年匹敌？艺术的自觉和创造动力还剩下多少？我心中充满了隐隐的忧虑。是的，作为摄影专业的负责人，我也一直强调对学生艺术创造的宽容和包容，鼓励他们真正释放出心灵的自由。但是相对70多年前的中国来说，今天的诱惑太多，也太大，往往让人感到一种力不从心的尴尬。比如我很反对摄影专业低年级的学生就去参加国内外的各种摄影大赛，因为他们在尚未具备独立思考目光的时候，很容易被这些大赛抹去原本就没有完全凸显的个性。但是学校却希望这样的参赛越多越好，这样的获奖越大越妙——因为作为考核指标之一，又是属于硬指标的一种。又比如在日常的学习和创作的过程中，我也主张无为而治，不是放纵他们，而是给他们更多自由的空间，包括生活习惯上（生活的质量往往会左右艺术创造的质量）。但是这样又会和学校的纪律以及各种各样的规定发生矛盾和冲突，以至于不得频频让步，一直退到一潭死水的原始状态，更不要说有什么“宽容”了。

&nbsp;
所以，我真的很羡慕70年以前的杭州艺专的艺术教育，羡慕30年代的江南能有这样一方净土。林风眠的出现不仅仅是一个个案，而是当时整个时代的宽容的表现。那么，我们今天的艺术教育历经了这么多年的改革开放，却为什么却出现了一个“九斤老太”似的一代不如一代的倒退？我们的意识形态是否出了什么问题？我们的教育体制是否走进了死胡同？还有我们的大环境，是否有利于学生的思维创新（现在的许多比赛害人不浅，规模越大，害人越甚，把摄影者往一条死路上引）？即便是林风眠今日再生，恐怕也难以再造一个杭州艺专，否则，陈丹青前些年为什么要逃离艺术教育重镇，而且是中国艺术教育最高学府之一！

&nbsp;

当然我还会以我的一己之力，在摄影专业的岗位上站好最后一班岗。

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这里的一组作品，是我的学生、大连医科大学影像艺术学院的学生王诚的作业，题为《海岸线与守护者》。请各位批评指教。

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]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=605036]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Sun, 10 Jan 2010 08:21:27 +0000]]></pubdate>
</item>
<item>
 <title><![CDATA[关于“高跟鞋”的一篇试题]]></title>
 <description><![CDATA[

近日给摄影本科的考试中，出了一道试题，和高跟鞋有关。作为旁听的凌鹤，也参加了考试。现将他的文字刊载，听听各位高手的意见？

高跟鞋联想最多的无非是女性，因此也紧紧与时尚联系起来，时尚也是另一种美的代名词，而爱美人士通常也离不开时尚。所以摄影师、商人渐渐的把目光对准女人们的垫物。
图中大卫·贝莱，欧文·佩恩，赫尔穆特·牛顿三位时尚大师的作品并不能完全代表这些大师。但恰恰说明了时尚与女人的关系。
大卫·贝莱的作品，一条举起的腿蓝色金边围绕的高跟鞋与鲜红色染料，鲜明的色彩新一轮的视觉冲击，让嗜血的人们充满了欲望，而欧文·佩恩的作品恰恰从商品本质出手虚实关系让高跟鞋若隐若换，倒影的衬托呈现了高挑的鞋儿们，如同女性将高挑视为美。
而3位摄影师中，我最为崇拜的就是赫尔穆特·牛顿。他3岁时开始迷恋女人，12岁为女人拍照，被女富商包养，与身为模特的妻子，他一身被无数美女包围。这些恰好说明他对女性的关注与了解。而他那些富有传奇的经历成就了他。在柏林优越家庭环境下长大的犹太人、二战的悲剧让他逃亡远方、他的妻子受他的影响成为了摄影师，拍摄鲜艳的颜色只因为他是色盲，而最后大病后的让他走向了一种极端，他更色情更大胆更残酷更肆无忌惮。这颠覆性的转折充满了欲望。正如他所说的：“我喜欢粗俗。我对坏品位有浓厚的兴趣——它比那种假想中的好品位令人激动得多”。的确文明社会中的人们带上了不同的面具，情感的释放也愈来愈有限。而粗俗小说恰恰是叙述朴实的人民与真实的生活。脱离这花里胡哨，剩下是内心的本能与欲望。而“死亡后”的牛顿在这虚幻的世界寻找真实的本能。现在回头再看这副作品，一条普通的腿，一只普通的高跟鞋。与鞋上带尖的带刺的饰物，刺向前后……&nbsp;
我叙述这些的时候，也不停的在思考。鞋与女人。旧时视女人小脚为美丽。而今这旧时的流行却被说成封建时代的不平等，若说平等，何有公理可言？ 天下皆知美之为美，斯恶矣；皆知善之为善，斯不善已。我一直反复思考这圣人的教化。这高跟鞋与三寸金莲的对话，旧时代与新时代的变革。美本来就没有变，而审美的人却一直在变。
&nbsp;
下面再提供一些摄影名家的高跟鞋作品，任各位自由评说。
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]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=604640]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Fri, 08 Jan 2010 02:46:08 +0000]]></pubdate>
</item>
<item>
 <title><![CDATA[斯洛塔：因为黑暗喂养了我的灵魂]]></title>
 <description><![CDATA[如果看一眼杰拉德·斯洛塔（Gerald Slota）所创作的影像，你会有一种恐怖感。他实际上并非真正的意义上“创造”它们，而是仿佛从墓地中将它们挖掘出来，如同19世纪提着灯笼的挖掘者，带回家后，在私人的空间亵渎它们。这些胡乱涂抹的、有时候甚至被撕裂的影像，又给人一种手工艺的感觉，或者说，是一种肮脏的手工艺。
其实斯洛塔沿着一条或者两条耸人听闻的、或者悲哀的、或者神秘的线路前行，传递给我们一种模糊不清的信息。其实这也是一种能够引起关注的和严肃的影像，只不过像一出谋杀的连续剧，带着不详的凶兆。也许这和摄影家所生活的那个美国小镇相关，同时又折射出一个时代的更大的氛围。
随意翻阅斯洛塔的这些画面，似乎会沉没于潜意识的汹涌波涛之间。也许可以用这样的词汇来提醒：不要呆得太久。不要离岸冒太大的风险。清醒地关注接近你眼皮底下的事物。最终的梦才是绝对的完美。
下面，我们就沿着斯洛塔的故事前行——
▲我的妹妹在12岁时逃离。我们找到她时已经20岁。我有把握确认就是她，不管怎么说。
▲一些晚上我睡在父母的床边观察他们的睡眠。如果我小心翼翼他们不会知道我坐在床沿。
▲当我每天晚上听到丈夫的汽车进入车道，我的胃就会犯病。真希望他在回家的路上发生什么意外，让我兴奋。
▲一天早晨我们都在学校，母亲在清理烤箱，将它打开，然后将头伸了进去。我后来找到她时，她好像睡着了。
▲孩子在几小时前停止了哭声，我感到害怕然后上楼去确认。]]></description>
 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=604095]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
 <category><![CDATA[]]></category>
 <pubdate><![CDATA[Wed, 06 Jan 2010 07:13:01 +0000]]></pubdate>
</item>
<item>
 <title><![CDATA[萨森——耳语般的视觉空间]]></title>
 <description><![CDATA[
对于维维安·萨森（Viviane Sassen）来说，通过一幅肖像将一个人的灵魂解放出来，就像是一个古老的金矿挖掘者。的确有那么一种人可以从人物的表面挖掘出深深的性格特征。

萨森在这一层意义上可以说是自命不凡。从她那些真诚的肖像摄影中，可以看出萨森具有心理学的灵异目光，或者说和被摄者具有相当私密的交往，一般只能出现在很小的朋友和家庭的小空间。


在萨森镜头中的男人和女人，更多地给人一种构成的感觉。他们从没在特写的距离被拍摄，一般是全景，至少也是中景。这些画面往往都选择了黄金分割法，也有完全中心的构成，然而人物的力量太强大了，无论如何总会成为画面的视觉中心。于是，我们往往会忽略了一些环境的元素，比如斑驳肮脏的墙，布满灰尘的路，以及有着围栏的人行道。然而这些环境在某种意义上，却成为人物不可分割的重要元素——这才是画面的妙趣所在。


与其说萨森的那些脸具有性格的话，还不如说其中充满了暗示。从表面上看，他们黑色的肤色和明亮、艳丽的环境形成了鲜明的对照，很符合观众预想中的期待。从技术上说，萨森选择的是一种明暗对比法，或者说是一种底图关系的处理。当年的伦勃朗和卡拉瓦乔就擅长于通过烛光让人物浮现在深暗的背景中，萨森则使用了相反的对比。


精确地说，萨森实际上仅仅完成三种类型的照片。她的作品中最具特色的就是侧卧休息的人物，脸部转向观众的另一边。然后就是纠缠在一起的身体，年轻的身躯相互之间的手臂拥抱，或者是两位女孩的长发相互缠绕，还有母亲用腿护着自己的孩子等等，最引人注目的是两个在岸边的人物，他们的腿被快乐的丝带绑在一起。第三种类型的影像被称之为“神秘的肖像”，单独的个体人物身份难以辨认，他们避开了照相机的凝视，被一棵植物或者植物的阴影所遮挡，只能让你想象是在微笑还是皱着眉头。


如果从心理学的角度分析，还可以看出画面中常常出现三联片的组合，分别将三种类型组合在一起。侧卧的人物，倾斜于地平线，象征着死亡。“缠绕的双重人物肖像”是一种对融合的渴望，一种观念上联合的浪漫。面目不清的人物则代表着爱和虚无的链接。画面中恐惧的可能远远大于力量的延伸。这是一种对未来无法确认的恐惧，是用一种喃喃自语的方式展现出来，正如标题所说的：耳语般的视觉空间。


萨森最早的记忆色调是黑色的。在两岁到五岁之间，她生活在肯尼亚的乡村。她的父亲在一家医院工作，她就在隔壁的小儿麻痹症患者的诊所和病人一起玩耍。在她的眼中，正常的皮肤色彩就是黑色的，尽管她自己金发碧眼，皮肤白皙、个子高挑，和非洲的伤残儿童完全是两个对立面。


后来是以色列海法和荷兰的生活，并且在2001年带着照相机回到了非洲。她是在专业的时装设计领域中接触到了摄影。她从荒木经惟、南·戈丁、托马斯·鲁夫、安德烈·塞拉诺以及沃尔夫冈·提尔曼斯的作品中汲取营养。她也做过一些时尚摄影家的助手，作品出现在世界一些知名的杂志上。接下来她的父亲去世，她去了非洲，她的第一个孩子诞生。


也许可以这样说，这些非洲的画面是摄影家自传体的原型阐释。是以镜面的方式折射出她自身的生活体验。或者从某种意义上说，其中具有明显的自恋情结。她自己也曾说：“我试图创造一种年轻时候的影像。”但是由于画面本身缺少精确的地方特征，因此无疑具有普遍的价值，传递出更为复杂广泛的信息。甚至在其背后，有着特定的政治意味深深隐藏着。于是所有的一切，就只能是耳语般的视觉空间。


整本画册的视觉设计也很有特色，最主要是不仅画面的大小悬殊，更有意思的是，如果一幅跨页的画面占据一页半的位置，那么另外半页就被裁去，使得整本画册的页面大大小小，参差错落。当然，印刷是非常经典的，色彩凝重，力量感很强。

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 <author><![CDATA[linlu]]></author>
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 <pubdate><![CDATA[Mon, 04 Jan 2010 08:30:04 +0000]]></pubdate>
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 <title><![CDATA[莱因导演的悲伤的金发女人]]></title>
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澳洲摄影家罗斯玛丽·莱因（Rosemary Laing，1959—&nbsp; ）的新作题为《12幅悲伤的金发女子无价值的行为》，所展现的是12幅金发女子近摄的肖像，是对悲伤所产生的不同的反应捕捉。而且这些情感的空间具有连续性，从怀疑、愤怒、悲伤开始，到焦虑以及泪眼朦胧，伴随着空洞绝望的情感一直到哭泣。手的姿势强化了极端的痛苦，头发在脸前拂过，皮肤呈现出紧张的痕迹和污点。有两张画面中被摄者甚至抓住了摄影家的手，试图得到这位澳大利亚艺术家的救援。

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有点饶舌的标题也许隐含着某种观念，加上画面的金发和粉红色背景，让人产生更多的联想。很显然，画面聚焦于女人的头部和肩部，似乎以舞蹈般的节奏小心地揭示什么。然而，女人受到伤害的缘由却没有传递。其中标题上“无价值”或者“无用”一词，也许暗示着这些悲伤并非来自自身的失落，而是和他人有关，是一种徒劳的哭喊。这些悲伤很容易让人联想到戴安娜王妃的去世，或者911事件的悲剧。如果联系到摄影家的身份，还可以联想到2008年澳洲首相为土著人表示道歉的闻名世界的“致歉日”。

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观看摄影家这些充满张力的影像，人们往往会被这样的情感力量所撼动，甚至不会深究这是不是一场演出。摄影家非常巧妙地诱出了人类的情感空间，恰到好处。这样一组画面放在一起，如同一个装置艺术，或者就像是连续的电影放映，具有流动感。这些影像就像是电影的片段攫取，从上下文中提炼出其中的故事。仔细看可以发现，这是三个女人的12幅画面，这些脸在渐变中的延续，如同无名的溪流。

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纽约的一位艺术指导这样说：“让人感到奇怪的现象之一，就是很难让人想到这是一些不同的女人。悲哀的力量是如此的强大，以至于掩盖了身份的认证，消失在他们极度的痛苦和脸部以及身体语言后面。”
莱因出生于布里斯班，曾经是一位专业画家，生活在悉尼。其摄影作品从2001年开始形成了不同的系列。她近期的作品从原先的大画幅影像向更小一些的画面过渡。其中的观念色彩愈趋明显。下面是杂志的一段采访——

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问：从你的一系列作品中，我们可以感受到一种悲伤和内疚，实际上是暗示世界上的重大事件，却又非常的隐晦。你是如何使用摄影的方式进行这一系列的挑战的？
答：我的兴趣在于一种责任，情感的沟通，并且通过象征性的符号化表达。摄影已经具备了对悲剧事件的表达和回应的历史。这些作品也就是从情感的角度做出一些回应。当然在具体的表达方式上，经过了很长一段时间的探索。以前从未以这样的表演方式创作情感强烈的画面，确实有一定的难度。

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问：你是采用什么方式在拍摄过程中导演这三位演员的？
答：我事先给这些演员基本的框架和情感的表达空间，同时就像拍摄电影一样给他们各种指示。我在许多天里分别拍摄这些演员。一切都是凭借直觉展开的。
问：为什么这些女性悲伤的原因没有直接向观众揭示？
答：没有必要让观众知道我所考虑的缘由。就像是希腊唱诗班的合唱，只是给一个故事的过程引向未来。作品是开放的，它的功能就像是唱诗班，呈现出一种时间的状态。

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问：由于画面中的情感因素，这些女性的身份特征似乎被隐藏在了他们的极度的痛苦背后。你是否有意隐藏他们的身份特征而呈现出一种普遍性？
答：是的。这些女性仅仅是一些金发女郎的符号，是一个整体也具有普遍意义。他们共同拥有的就是他们的痛苦。这样，每一个女演员之间的差异，就被降低到最低的程度。我选择相似的头发色彩，相似的面部特征，包括皮肤的色彩，这些都是经过深思熟虑的。这样就很容易将他们统一到一起。金发就像是我，是一种很普遍的白种女性的符号，当然我还有兴趣将其组合到其他的系列之中。
问：整个粉红色的环境也很具有戏剧化的特征。你是否希望在人物和背景之间形成一种戏剧化的冲突？
答：也许这只是一种“波普”道具——带有一种荒谬的色彩：金发和粉红。画面中带有一点点亮光和柔情。粉红色应该属于年轻的女孩，这里用在了女性的作品中，尤其是试图产生一种时间的动态感。
问：你是怎么看待你的作品所提出的质疑，或者你又是如何认同摄影家在今天的地位？
答：我从不以摄影家的身份提出问题。摄影只是一种简单的技术，用于我的实践之中，产生影像而已。也许以后我会去考虑通过制作什么来表达某种观念。坦率地说，我们如今被淹没在大量的无用的图像之中，要让影像真正具有某种价值才是最困难的。
更多作品可以参看墨尔本的托拉诺画廊：www&#46;tolarnogalleries&#46;com
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 <link><![CDATA[http://blog.voc.com.cn/blog.php?do=showone&type=blog&cid=110000000&itemid=603406]]></link>
 <author><![CDATA[linlu]]></author>
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 <pubdate><![CDATA[Sat, 02 Jan 2010 12:03:59 +0000]]></pubdate>
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